意電影的問題，透過圖書和論文來找解法和答案更準確安心。 我們找到下列懶人包和總整理

好萊塢編劇的生意經：教你寫出製片、導演、演員都想買的高分劇本！

為了解決意電影的問題，作者（美）大衛•韋斯曼 這樣論述：

一本實用性極強的編劇方法書。好萊塢的一對非常成功的編劇搭檔，公開了他們從業30年的寫作戰術。他們極其擅長打造賣座的口碑類型片，並將實戰經驗整理成一套精密的寫作系統，説明編劇打造出能夠順利出售的高分劇本。   本書的寫作方法，有益於編劇在創作時理清思路，從買家的角度來審視劇本寫作過程中的每個階段——從最初的概念一直到最終的打磨，清楚製片、導演、演員等未來合作夥伴在劇本中想要看到的是什麼，他們選擇劇本時有哪些斟酌與標準，幫助編劇避開常見的創作雷區，從而讓所有“劇本審讀人”都能亮起綠燈，最終實現劇本的順利出售。   這種平衡的考量滲透於寫作指導的全過程。本書強調電影製作是一個高度依賴合作的過程，並且

把未來搭檔的挑剔眼光，當作創作過程中必要的部分來看待，這對於如今的影業而言，其重要性遠超以往。 大衛·戴蒙德出生於1965年，曾就讀於紐約大學，主修電影研究專業。大衛·韋斯曼出生於1950年，在美國威斯康星大學、布朗大學都曾獲得過碩士學位。兩人從事編劇工作，而韋斯曼還兼任導演。他們的合作從高中時代就開始了，至今已近30年，在影視業界屢獲佳績，是好萊塢圈內聲望極高的編劇搭檔。   1994年，他們成功地把第一個原創劇本《神童》出售給了二十世紀福克斯。之後兩人合作了一系列原創喜劇，其中包括2000年由環球影業投拍、尼古拉斯·凱奇主演的《居家男人》，週末票房就達到了1510萬美元，

榮登北美票房第三。他們隨後又寫作了夢工廠的科幻喜劇電影《進化》，以及迪士尼的歡樂喜劇《老傢夥》（2009年，約翰·特拉沃爾塔、羅賓·威廉姆斯主演）、浪漫喜劇《羅馬情緣》（2010年）。2005年，他們將第一個電視提案賣給了20世紀福克斯電視臺和CBS電視網，之後相繼與NBC、ABC、福克斯、TBS等各大主流平臺達成合作，劇作類型包括半小時肥皂劇和1小時電視長片。   從業以來，戴蒙德和韋斯曼聯手為15部上映電影擔任編劇，由其創造的電影在全球已累計超過10億美元的票房。 前言 序 構思精巧的電影創意 電影創意與劇本創意的區別 | 解剖電影創意：三個C | 檢查你的創意 | 梗

概 | 給你的創意找到定位：商業大片vs獨立電影 | 這個創意適合我嗎 尋找經典電影範例 為自己贏得一席之地 | 擦亮眼睛，邊看邊想 | 向前輩取經 脫穎而出：一頁劇情簡介 掌握基本的故事結構 | 電影的故事vs電影的意義 | 故事如何展開 | 濃縮劇情 塑造能立得住的角色 歷經考驗的主角 | 討人喜歡的主角 | 便於選角的主角 | 角色動作表 構建穩紮穩打的大綱 劇情整合 | 過場戲 | 副線劇情：B線、C線和“搞笑擔當” |大綱 | 大綱、詳情或提案文件 打造吸引眼球的橋段 什麼是橋段 | 設計你的橋段 寫出勝券在握的劇本 開場 | 基本要素 | 場景資訊 | 角色描述 | 動作 | 對白

|轉場和銜接 | 這是一場馬拉松，不是短跑 | 最後一件事…… 成功的秘訣——修改 兌現你的承諾……還有你的前提 | 完善人物塑造 | 刪減：節奏和頁數 萬無一失的提交 突破壁壘，進入行業 | 他們喜歡這個劇本，接下來該做什麼 |鼓起勇氣，勇敢面對 後記 鳴謝 術語表 要點與練習 橋段案例：《陪產假》吸奶器段落 關於作者

意電影進入發燒排行的影片

電影《寄生上流》之象徵分析

為了解決意電影的問題，作者劉至詳 這樣論述：

2019年韓國電影最有討論度跟各項國際獎肯定，其中劇情性的電影以及懸疑片屢創佳績，《寄生上流》便是近年來最具代表的系列作品之一。這部電影拍攝手法使用影像製造出身分地位的象徵，也讓上流階級與底層階級建立相互共生的關係也製造雙方互相衝突的對立面，產生不少貧富差距思考方式以及許多因為人性貪婪所造成的問題，導致劇中悲劇發生以及衝突場面讓觀眾能感受到電影畫面的張力。本研究以《寄生上流》的故事跟導演所要敘述的文本與分鏡圖進行分析，使用場面操作、鏡頭運鏡、後製剪輯來描述劇情也一起結合《寄生上流》所要帶給觀眾的主要內容，以《寄生上流》分鏡稿的文本圖像資料為分析對象。導演奉俊昊的寫實手法也獲得了第92屆奧斯卡

金像獎中獲得最佳影片，原創劇本認可，《寄生上流》電影中韓國社會階級地位的階層文化也在電影畫面上有著明顯的不同。本文研究發現在這部寄生上流電影中導演奉俊昊把階級地位以及味道的象徵明顯的放入電影劇情裡面，如今社會階級地位不同，每個劇情人物的電影詮釋也有所不同，而在分鏡剪接中也用音樂來帶給觀眾深刻的印象。

故事片創作完全手冊（第2版）

為了解決意電影的問題，作者（美）米克·胡爾比什-切里耶爾 這樣論述：

這是一本零距離貼近實戰的拍片指南。一部影視作品，往往始於將故事呈獻給世界的原始衝動。但只有故事還遠遠不夠，小到學生作業，大到工業巨制，都是團隊通力合作的產物。劇作、表演、攝影、美術、音樂和剪輯中的每個技術細節，都會決定你的故事能否打動觀眾。 在這本北美影視院校人手一冊的專業教材中，作者將20餘年創作經驗融入教學，針對新手共性問題，通過大量一手案例，詳盡解讀從創意構思、劇本策劃、選角籌備、分鏡設計，到現場拍攝、後期製作直至上映的全流程；梳理常用工具，確立製作標準，闡發變通方案，幫助你理解鏡頭的基本語法，避開典型雷區，成功將腦海中的構想轉化為視聽語言，進而駕馭充滿挑戰的片場。 書中特設“實踐篇

”，聚焦一線創作者面對的真實困境及解決方案，你可以跟大衛林奇、阿巴斯學構思點子，跟羅德里格斯學“零成本”拍出驚豔處女作，跟索德伯格學群像調度，跟庫布裡克學移動攝影，跟王家衛學氣氛營造，跟小津學精緻構圖……將效果拔群的表現技法盡收囊中。還等什麼呢？開始拍吧。 米克·胡爾比什-切里耶爾   畢業于美國西北大學，現任紐約城市大學亨特學院影視傳媒系教授，講授導演、攝影、製片、劇作、剪輯等課程，有二十餘年的教學經驗。曾獲亞瑟·米勒劇作獎、美國國家藝術基金會獎勵，執導的作品曾在安娜堡電影節等美國各地的電影、電視節上獲獎。 引 言 致 謝 第一部分  紙上作業：構思

、劇本、視覺化 第一章  從創意到電影故事 第二章  電影劇本 第三章  視覺語言與電影美學 第四章  組織影片中的空間和時間 第五章  從劇本到視覺計畫 第二部分  影片製作的準備工作 第六章  影片製作的準備 第七章  演職人員 第三部分  製作工具與技巧 第八章  膠片系統  第九章  數位拍攝系統  第十章  鏡頭 第十一章  攝影機的架設 第十二章  曝光的基礎知識 第十三章  膠片與數字拍攝的照明基礎 第十四章  照明與曝光技巧 第十五章  聲音製作 第十六章  聲音製作工具 第十七章  現場聲音技術 第十八章  在拍攝現場！ 第四部分  後期製作的工具與技術 第十九章  後

期製作概觀與工作流程 第二十章  數位剪輯的原理與過程 第二十一章  剪輯的藝術和技術 第二十二章  影片的聲音設計 第二十三章  聲音的剪輯與多音軌製作 第二十四章  最後處理、製作母帶、發行 附錄1  拍攝格式與工作流程表 附錄2  黑白片通用濾鏡 附錄3  校正現場監視器的NTSC彩條 附錄4  進度日程表、預算表與製作管理表及相關協議 附錄5  16mm膠片攝影機景深表   從何處開始你的電影創作之旅？ 電影是一種創作方式，具有很強的技術性。它是一種個人表達的手段，又是一種人類共通的語言。它既要求周全的、有條理的計畫，又要求自然隨性的靈感。它是個人洞見與集體努力

合作的產物。電影是綜合的藝術形式，它的表現力來自劇作、表演、設計、攝影、音樂和剪輯的有機結合。上述諸多方面缺一不可。創作者的選擇，大到創造性的決定，小到實際問題的解決辦法，事無巨細，都會影響呈現在銀幕上的內容和影片從情感上打動觀眾的方式。 本書的中心思想是：在電影創作中的一切活動（構思、技術和物資），都應為電影創作者的創作觀念服務。創作一部影片，始於講故事的衝動和把創意搬上銀幕呈現給世界的意願。接下來，要聚集人才、設備、資源來完成這部電影。不過，如今有一些並不在意電影創作的基礎技術和基本概念的人常說，“電影無關技術，無關規則，全在於故事”。我認為，這種說法有些輕率。 事實是，光有故事是不夠

的，即使故事很不錯，你還必須會把故事講好。拍電影不是簡單的“講一個故事”，關鍵是要“會講故事（storytelling）”，而講故事要靠演員、攝影、燈光、聲音和剪輯。若要練就講故事的本事，首先需要理解電影的基本視覺詞彙、創作過程以及所使用工具（如攝影機、曝光表、剪輯軟體）的功能和表現潛力。 之前，在一個電影創作的大師講座上，傑出的導演阿巴斯·基亞羅斯泰咪（Abbas Kiarostami）曾強調一個論點：一部創意一般而表達出色的影片，勝過一部創意出色而表達拙劣的影片。電影是一門複雜的藝術形式，要做出正確的決定，要成功地表達自己，就必須清楚地理解自己的構想是什麼，想要表達什麼，並且能夠駕馭電影

語言、工具和創作過程來將其表達出來。著名的電影詩人詹姆斯·布勞頓（James Broughton）曾經寫道： 每一部電影都是一次前景未蔔的航行……不瞭解航海之道就闖入遠洋，並非明智之舉。不先探明水道而入港導致擱淺，是既糟糕又尷尬的事。 本書講解了所有必需的基本資訊和技巧，以保證學生掌握“電影表達”所需要具備的在技術上、實務上和創意上的能力。可以把本書看作一幅航海圖，雖然它不一定能提示每一處險境或每一項在航程中會遇到的挑戰，但它能讓你順利出海。 電影創作這個領域如此浩瀚，而且在不停地演進，要用一本書全部涵蓋它，自然是不可能的事。事實上，就是把書店架子上的所有電影書籍彙集起來，也不足以道盡可

講的一切。本書是為電影創作初級班和中級班的學生，或獨立電影創作者而寫。這本教材的目標，是為創作故事片打下一個堅實的基礎，範圍涵蓋從創意到發行的全部內容。書中包括對膠片和數位創作工具的基本且詳細的技術資訊，對電影創作各階段和整體流程有相當透徹的概述。當然，本書還會就“用電影講故事”進行概念層面和美學層面的討論。 電影作為一門合作的藝術 不論如何衡量，“創作電影”這項工作都是一件要求付出巨大的努力、聚精會神而且需要廣博知識的事情。它還要求創作者同時執行多個任務。因此，創作故事片從來都是一門合作的藝術，需要集體的力量和團隊的專長。一個電影創作團隊的人數可以從兩人到幾十人不等（甚至更多），但其基本

的原理是相同的：當團隊的每個成員被允許做出自己的創造性貢獻時，當每個人都對自己的實際工作和技術職責認真負責時，影片就會做得很出色。 本書通篇都會不斷地強調創作團隊創造性和個人職責的重要。同時，本書作者也非常理解並非每一個電影專業的學生都會當或者想當導演。在電影事業裡存在很多有創造性、可實現個人抱負的道路（電影攝影、聲音設計、剪輯、美術指導等），學生可以沿著它們前進。我在書中提供了大量的技術資訊，以及關於創意、文字和美學問題的討論，讓那些導演專業之外的學生能夠深入學習。不論他們從事的工作是寫作、執導、拍攝或者剪輯，本書都會引導每個學生在掌握實際技巧、自信地應用它們的同時，去發展自己的創造力。

21世紀的電影創作和技術 本書寫作的時代，電影創作正經歷巨大的轉型。數位化媒體把電影創作過程中每一個階段的技術和手段都徹底改變了。說到膠片和數位攝影技術，本書從業界和學生那裡尋求了很多新意，他們都在理解和使用這些技術，並且在自由地融會貫通方面，遠比學術界快得多。在膠片與數位視訊之間並沒有衝突，可以完成電影的方式就是好的方式。21世紀的電影創作者明白，膠片或數位視訊各自具有哪些內在美學特徵和哪些創作可能性，並且會取其所長，創作優秀的電影作品。那些國際知名的導演，如阿巴斯·基亞羅斯泰咪、拉爾斯·馮·特里爾（Lars von Trier）、麗蓓嘉·米勒（Rebecca Miller）、史蒂文·索

德伯格（Steven Soderbergh）、斯派克·李（Spike Lee）、邁克爾·溫特博特姆（Michael Winterbottom），以及其他很多人，不論用膠片拍攝還是用數位拍攝，都很得心應手。 現代電影攝影師可以掌握不同技術，而且靈活利用它們的表現力。艾倫·庫拉斯（Ellen Kuras）、羅比·穆勒（Robbie Müller）和安東尼·多德·曼特爾（Anthony Dod Mantle）等先驅者就是如此。剪輯師、錄音師、美術師、聲音設計師的技藝，並沒有因採用膠片或數位格式而有很大不同，這些去問任何一位專業人士就能明白。如何講述故事才是一切！用膠片或數字都無所謂。本書並不厚此薄

彼，也不厚彼薄此。相反，我在本書裡試圖提出一個看法，就是不僅要理解膠片和數位兩種技術的不同，還要理解它們如何融會貫通。還有一點：我經常使用“film”（直譯為“電影”，也可根據語境譯為“膠片”）這個詞，作為“movie”或“motion picture”（兩個單詞都是“電影”的意思）的同義詞，在本書裡，它的意思既可以是通過膠片介質完成的電影，也可以是用數位介質拍攝、通過數位剪輯、數位播映的電影，創作“film”的人就叫電影創作者（filmmaker）。  

小眾電影的創意管理分析：以台灣的類型電影為例

為了解決意電影的問題，作者陳麗惠 這樣論述：

自從2008年電影「海角七號」之後，台灣電影產業漸漸走過低谷，近幾年的電影市場更是出現多元的類型與題材，不僅與觀眾產生了共鳴，更帶動整體國片票房的回升。從根本上來說，最大的變化就是臺灣電影從創意到在製作方面，逐漸地從上世紀的「導演制」轉向目前類似美國好萊塢的「製片人制」。台灣電影產業猶如手工業無法量產，其癥結在於執行「導演制」。目前「導演制」在國內仍占有一定比重，並以低成本，劇情片及社會題材的「小眾電影」為主。畢竟「類型電影」在百年電影發展史中，已具備明確的市場機制與獲利軌跡，好萊塢製片人的創意管理模式不但為美國電影產業帶來全球市場，更有穩健的指導方針，值得國內電影創作者參考。本研究從好萊塢

電影製片人與創意管理模式出發，藉由《紅衣小女孩》、《角頭》、《粽邪》三部成功的類型電影為例，以文獻資料分析及深入訪談方式，探討台灣現行電影產業從非主流電影的「導演制」走向類型電影「製片人制」現況。研究發現，非主流的小眾電影雖不完全迎合商業機制，但仍需藉由類型電影的製片人創意管理方式，管控影片品質與網路行銷、刺激消費者購票意願、創造票房成績及降低投資風險。希望本研究能帶給電影產業一個不同角度的分析視野。